Riflessioni sul paesaggio artistico del 2023

 Ogni anno vengono realizzate innumerevoli nuove opere d'arte e quelle storiche vengono maggiormente messe a fuoco, poiché gli eventi nel mondo dell'arte danno loro una nuova valenza. 

L'anno 2023 si è svolto come un caleidoscopio di espressioni artistiche, in cui i creatori hanno tratto ispirazione dal mondo tecnologico, ambientale, politico e personale. 

Mentre definiamo e decifriamo le opere d'arte di quest'anno, ci troviamo immersi in un ricco arazzo intessuto di fili di innovazione, introspezione e una profonda connessione con il mondo. 

In ogni tratto di pennello, linea di codice o forma scultorea, gli artisti del 2023 ci invitano a testimoniare, contemplare e impegnarci nel dialogo in continua evoluzione dell'arte contemporanea.

 Per capire la contemporaneità, è fondamentale contemplare all’arte contemporanea poiché arte è il riflesso della realtà, anche se l’arte contemporanea viene spesso trascurata in favore di reminiscenze sulle opere passate senza attualizzazioni. 

In questa esplorazione, definiamo e decifriamo alcune delle opere e avvenimenti che hanno lasciato un segno indelebile sulla scena artistica nel corso dell'anno.

Innanzitutto, L'ultimo ritratto di Gustav Klimt è stato venduto all'asta a Londra a giugno. "Dame mit Fächer" ("Signora con ventaglio") incorpora una serie di motivi cinesi con una donna la cui identità è sconosciuta. È stato venduto da Sotheby's per 85,3 milioni di sterline a un collezionista di Hong Kong, diventando così il dipinto più costoso mai messo all'asta in Europa. 

Secondo gli storici dell'arte del Royal Collection Trust, un dipinto che è stato recentemente riscoperto nei magazzini della collezione, e che finora si sapeva essere stato attribuito erroneamente, sarebbe di Artemisia Gentileschi.

Il dipinto, raffigurante Susanna e i Vecchioni, è stato riscoperto grazie al lavoro svolto dai curatori del Royal Collection Trust, in particolare dall'ex membro dello staff e storico dell'arte Niko Munz, per rintracciare i dipinti venduti e sparsi in tutta Europa dopo l'esecuzione del re Carlo I d'Inghilterra.

La House of Ni'isjoohl Memorial Pole, che era stata esposta al Museo Nazionale della Scozia a Edimburgo dal 1930, è stata ora riportata alla sede nel Museo Nisga'a a Laxgalts'ap, a seguito di una richiesta della nazione Nisga'a, un popolo indigeno canadese che vive nel bacino del fiume Nass nella Columbia Britannica.

Il palo di 11 metri fu originariamente scolpito nel cedro rosso nel 1855 come memoriale di un guerriero Nisga'a ucciso e incorpora la tradizione del clan e motivi sacri.

Nel 1928 fu tagliato e portato via da un etnografo canadese, Marius Barbeau, e poi spedito in Scozia. La restituzione dell'asta è stata concordata e firmata in meno di un anno dal governo scozzese, creando un precedente impegnativo per altre collezioni britanniche che detengono oggetti contestati.

Nell’era digitale, gli artisti continuano a superare i confini dei mezzi tradizionali.

Dall'arte generativa alle esperienze di realtà virtuale, il 2023 mette in mostra un connubio tra tecnologia ed espressione artistica.

Gli artisti stanno sfruttando linguaggi di programmazione, realtà aumentata e piattaforme virtuali per creare esperienze coinvolgenti e stimolanti, provocando reazioni contrastanti nel mondo dell'arte. Facendo leva sulle crescenti ansie sull'ascesa dell'intelligenza artificiale, una mostra al Louisiana Museum of Modern Art di Copenaghen ha riflettuto su come possiamo sforzarci di non essere resi obsoleti dall'intelligenza artificiale, mentre Jordan Wolfson ha svelato la sua nuova inquietante performance robotica Body Sculpture (2023) al NGA di Canberra.

Più vicino a noi su questo argomento, Massimo Grimaldi ha fatto una mostra “Sul Guardare” al centro culturale polifunzionale XNL di Piacenza in cui con la sua arte digitale e la sua fotografia facilmente definibile come inquetante e terrificante esplora il significato e la rappresentazione moderna del corpo umano in un’epoca digitale e coabitata con l’Intelligenza Artificiale. 

Rimanere in sintonia con gli ultimi sviluppi nel campo dell’arte non è semplicemente un passatempo ma uno sforzo essenziale. 

Stare al passo con le notizie d’arte funge da canale per comprendere il polso della società contemporanea, fornendo informazioni su narrazioni in evoluzione, tecniche innovative e il panorama in continua evoluzione delle conversazioni culturali. 

È attraverso questo impegno continuo che gli individui coltivano un occhio esigente, un maggiore apprezzamento per la diversità di pensiero e una connessione arricchita con le narrazioni che danno forma alla nostra esperienza umana condivisa .

                                                                                                                      Chaggar Prabhjot Kaur

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PRIDE MONTH E PIACENZA PRIDE 2023: rinnovata coscienza per la lotta ai diritti umani

Cari lettori del Mattei’s Blog, siamo qui per parlarvi sia del Pride Month sia di un'importante manifestazione che ha colorato per la prima volta la città di Piacenza il 27 maggio scorso: il Piacenza Pride 2023.

PRIDE MONTH:
Il concetto di Pride Month è iniziato con le rivolte di Stonewall, una serie di sommosse per la liberazione dei gay che hanno avuto luogo per diversi giorni a partire dal 28 giugno 1969. Le ribellioni sono iniziate dopo un raid della polizia allo Stonewall Inn, un bar gay situato a Lower Manhattan a New York City. Dopodiché, il 28 giugno 1970, in occasione del primo anniversario della Rivolta di Stonewall, si tennero le prime marce del Pride a New York, Los Angeles e Chicago. Migliaia di persone LGBTQ+ si sono riunite per commemorare Stonewall e manifestare per la parità dei diritti. Gli eventi di Stonewall e i movimenti di liberazione che seguirono furono il risultato diretto dei decenni precedenti di attivismo e organizzazione LGBTQ+. Ancora oggi, il pride è celebrato ogni anno nel mese di giugno per onorare le rivolte di Stonewall del 1969 e lavora per ottenere pari giustizia e pari opportunità per tutte le persone queer. Questo mese si tengono anche commemorazioni per i membri della comunità persi a causa di crimini d'odio o HIV / AIDS.

Molti sbagliano nel credere che questo mese commemorativo sia solo una festa, infatti si deve sempre ricordare che il Pride è nato come una protesta contro l’odio, la censura e l’ingiustizia e lo sarà sempre finché esisterà l’odio e l’oppressione. Il bisogno di credere nell’orgoglio esiste in contrasto alla vergogna che viene imposta dalla società alle persone queer riguardo la loro identità.

LGBT E ARTE
Il pride, inoltre, sia nel passato sia nel presente, è stato anche sostenuto dagli artisti, che sono stati fondamentali nel suo sviluppo. Ad esempio, Frida Kahlo era una pittrice dotata e apertamente bisessuale. Ha usato la sua arte, principalmente attraverso autoritratti, come mezzo per rappresentare argomenti tabù, come la sessualità femminile, il dolore e gli standard di bellezza femminile. Ha anche onorato la cultura messicana attirando l'attenzione del pittore messicano Diego Rivera.

Un altro esempio molto consciuto è Keith Haring. Le sue opere hanno un linguaggio iconico che è rimasto nel tempo e i suoi interessi artistici lo definiscono: guerra, sessualità, morte e nascita. Haring ha fatto molto di più che esporre nei musei: ha sensibilizzato la società sulle cause sociali che gli stavano a cuore, quali l'omosessualità e l'AIDS. 

In anni più recenti, Muholi, un attivista visivo e fotografo sudafricano, ha documentato la vita di persone di colore di diverso orientamento sessuale in risposta alle continue discriminazioni e violenze subite dalla comunità LGBTQ: proprio nel 2006 Muholi ha intrapreso un progetto in corso, “Faces and Phases”. La missione autoproclamata di Muholi è "riscrivere una storia queer nera e transvisiva del Sud Africa affinché il mondo sappia della nostra resistenza ed esistenza al culmine dei crimini d'odio in SA e oltre". Questi ritratti sorprendenti fanno parte del contributo di Muholi a una storia omosessuale sudafricana più democratica e rappresentativa. Attraverso queste immagini positive, Muholi spera di compensare lo stigma e la negatività legati all'identità queer nella società africana.

PIACENZA PRIDE 2023
Ad inaugurare la serie di Pride che si susseguiranno quest’anno per tutta Italia, oltre tremila persone, senza distinzione di età, quindi giovani, anziani, bambini e famiglie, si sono riunite presso i Giardini Margherita con lo scopo di sfilare per le vie della città, facendo sentire la propria voce o sostenendo la causa della comunità arcobaleno. Una manifestazione pacifica e inclusiva nei confronti di tutte le minoranze, per sensibilizzare la popolazione sui diritti civili contro chi vuole negare la libertà di tante persone considerate erroneamente diverse per preconcetti legati non solo al proprio orientamento sessuale.

Ad aprire il corteo sono stati gli ospiti d’onore Vladimir Luxuria e Alessandro Zan con la banda del Piacenza Jazz Club e varie associazioni organizzatrici, quali Arcigay Piacenza Lambda, Famiglie Arcobaleno, Arci, Agedo e Grande Colibrì. È stato un sabato pomeriggio caratterizzato da un’esplosione di colori, bandiere, costumi stravaganti e voglia di divertirsi ma allo stesso tempo di dire basta alle negazioni e ai soprusi ancora presenti nella nostra società.

Non sono certo mancate le polemiche a seguito dell’evento che non hanno però fermato l’entusiasmo e la piacevolezza della giornata per tutti i partecipanti.

A conclusione di tutto, è quindi importante prendere coscienza di ciò che è stato fatto nel tempo fino ad oggi, dove si continua a lottare per i diritti delle persone appartenenti alla comunità LGBT. Questo, affinché sia possibile ottenere l’uguaglianza che non è ancora completamente presente neanche nei Paesi sviluppati, figuariamoci negli altri dove un individuo non può esprimere liberamente sé stesso perché l’omosessualità viene considerata un reato punibile anche con la pena di morte.  

PAOLA BRAVO e PRABH CHAGGAR – 3^B LS

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Tramonto in riva al lago

Cari lettori del Mattei's Blog, finalmente i caldi raggi del sole stanno illuminando le nostre giornate. Perciò, ho deciso di condividere con voi questo mio scatto rubato al tramonto insieme ai pensieri sereni che mi ha suscitato.

La fotografia raffigura alcune persone in riva al lago mentre osservano il paesaggio illuminato dal sole al tramonto. L’atmosfera sembra molto piacevole e tranquilla, partendo dalle persone fino ai colori dell'ambiente circostante, che danno un tocco di espressività ancora più forte. 

La felicità e la tranquillità possono essere ritrovate in momenti improvvisi e in molteplici cose. Si tratta di emozioni meravigliose da provare, ma allo stesso tempo difficili da raggiungere. Comunque, quando si è sereni e si percepisce l'animo pieno di felicità si inizia a vedere il mondo sotto un altro punto di vista, così come anche le situazioni difficili o gli ostacoli, che possono essere superati in maniera più semplice.

ISKRA COLIC - 2^A LSU

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ClimARTE - come l'arte lotta per i cambiamenti climatici

L'arte ha sempre tenuto uno specchio della società e degli accadimenti contemporanei. Ogni singolo mezzo d'arte cerca di volta in volta di essere un testimone, uno storico, del presente. Tempi di guerra e distruzione hanno prodotto riflessioni strazianti e fiduciosi barlumi di speranza negli artisti. La rinascita degli intelletti e l'innovazione hanno dato vita al movimento artistico per commemorare il Rinascimento. In modo simile, gli artisti contemporanei si sono fatti avanti per affrontare il presente precario con l'intensificarsi della crisi ambientale.

Creare esperienze coinvolgenti per consentire alle persone di esplorare il loro rapporto con la natura e la crisi climatica è fondamentale per connettere le persone a un ecosistema più ampio. Una comprensione di ciò che la natura fa per noi e di ciò che noi le facciamo può formarsi in parte attraverso esperienze sensoriali. Oltre a coinvolgere gli spettatori dal punto di vista politico e ambientale, uno degli obiettivi dell'arte del cambiamento climatico è "aumentare la consapevolezza della crisi". Nel 2005 Bill McKibben ha scritto un articolo, What the Warming World Needs Now Is Art, Sweet Art che sosteneva che "Una comprensione intellettuale dei fatti scientifici non era sufficiente - se volevamo andare avanti e realizzare un cambiamento significativo, dovevamo coinvolgere l'altra parte del nostro cervello. Avevamo bisogno di affrontare il problema con la nostra immaginazione. E le persone più adatte ad aiutarci a farlo, credeva, erano gli artisti". Il cambiamento climatico può essere rappresentato in modo significativo nelle opere d'arte perché "l'arte ha un modo per anticipare il discorso generale perché può trasmettere informazioni in modi nuovi". Le opere d'arte sui cambiamenti climatici differiscono nel modo in cui vengono interpretate e nel modo in cui incidono sullo spettatore.

The Tempestry Project è un' impresa artistica cooperativa internazionale cerca di utilizzare il lavoro a maglia per dare vita alla scienza del clima. È difficile visualizzare la scienza del clima, ma il progetto Tapestry ha scoperto un modo per includere le comunità nel monitoraggio dei cambiamenti di temperatura. Ogni Tempestry (arazzo della temperatura) raffigura la temperatura media giornaliera elevata di un determinato anno e località. Ogni magliaia Tempestry visualizza le variazioni climatiche nella propria città, città o regione utilizzando gli stessi colori e gli stessi intervalli di temperatura. Attraverso il lavoro a maglia, il movimento globale riunisce le persone per evidenziare come il cambiamento climatico influenzi le comunità anno dopo anno.

Un progetto di collaborazione tra l'Institute of Queer Ecology e il Guggenheim Museum, H. O. R. I. Z. O. N. (Habitat One: Regenerative Interactive Zone of Nurture) è una simulazione sociale digitale, immersiva che esamina un mondo in cui il capitalismo, l'avidità e il colonialismo hanno distrutto il pianeta e la malattia è dilagante. Sebbene possa sembrare post-apocalittico, gli autori di HORIZON hanno concepito il programma come reazione alla civiltà contemporanea. Scarica la simulazione per esplorare una realtà diversa, interagire con le persone e unirti allo sforzo di immaginare un futuro migliore.

A Venezia, l'artista visivo Andreco presenta Climate 04 Sea Level Rise, un progetto tra arte e scienza che si occupa delle conseguenze del cambiamento climatico e dell'innalzamento del livello del mare. CLIMATE 04 Sea Level Rise è la quarta fase del progetto CLIMATEe, che consiste in diversi interventi realizzati in diverse città europee tra cui installazioni nello spazio urbano, murales e laboratori che uniscono la disciplina artistica al dialogo scientifico, che l'artista traduce in opere ispirate alle più recenti ricerche scientifiche sulle cause e gli effetti del clima. Il progetto si compone di tre diversi interventi per la città di Venezia: un grande murale, un'installazione e un seminario sui cambiamenti climatici analizzati attraverso l'arte e la scienza.

Quindi, si può osservare che l'arte non solo serve

per suscitare emozioni e soggezione ma anche riflessioni, trasmettere informazioni e commuovere le persone per prendere azione per il proprio futuro. 

PRABH CHAGGAR - 3^B LS

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ANTONIO LIGABUE - l'arte e la giustizia per la diversità

Cari lettori, oggi siamo qui per parlarvi della mostra sul pittore Antonio Ligabue “Antonio Ligabue. L’ora senz’ombra. Il riconoscimento come artista e come persona” che abbiamo visto alla Galleria Bper Banca di Modena durante un’uscita didattica con la nostra classe.

La mostra, aperta dal 16 settembre 2022 al 5 febbraio 2023, trattava il tema della ventiduesima edizione del "Festivalfilosofia", che si tiene a Modena, Carpi e Sassuolo, cioè la giustizia. Attraverso le opere di Ligabue, infatti, c’era la finalità di portare il pubblico a riflettere a proposito della tematica della diversità e dell’inclusione tramite la vita dell’artista che è stato vittima di pregiudizi solo per la colpa di essere diverso, con l’idea quindi di dare giustizia a Ligabue per ciò che ha vissuto, rendendogli omaggio.

Il percorso espositivo, curato da Sandro Parmiggiani, si sviluppava a partire da quattro dipinti appartenenti alla collezione d’arte della banca con l’aggiunta di una ventina di opere provenienti da collezioni private, scelte per rappresentare al meglio i filoni a cui Ligabue si è dedicato passando dalle lotte tra gli animali selvaggi agli autoritratti o a scene di vita quotidiana che l’artista ha vissuto. I quadri in questione sono stati realizzati tra il 1929 e il 1962, anno in cui Ligabue, a causa di problemi di salute, è impossibilitato a dipingere.
Il catalogo della mostra è stato arricchito da alcune testimonianze che ricostruiscono la vita di Ligabue e le sue vicissitudini psichiatriche provenienti dall’Archivio ex Ospedale psichiatrico San Lazzaro di Reggio Emilia e raccolte grazie al direttore del Dipartimento ad attività integrata Salute Mentale e Dipendenze Patologiche Gian Maria Galeazzi e della responsabile Chiara Bombardieri.

Antonio Ligabue nacque nel freddo 18 dicembre 1899 a Zürich in Svizzera da Maria Elisabetta Costa originaria di Cencenighe Agordino, comune della provincia di Belluno. Alla nascita il bambino venne registrato all’anagrafe con il cognome della madre ovvero Costa. Nel settembre del 1900, Antonio venne poi affidato alle cure di una coppia svizzero-tedesca, Elise Hanselmann e J.V. Göbel, e, anche se la sua adozione non venne ufficializzata, Antonio considerò sempre loro i suoi genitori. In questo modo il tedesco diventò la sua lingua madre.
Tuttavia, la madre biologica sposò Bonfiglio Laccabue, emigrato in Svizzera dal comune italiano di Gualtieri, il quale considerò Antonio il suo legittimo figlio, dandogli il proprio cognome. Il pittore, però, da adulto, cambiò il cognome in Ligabue per l’odio maturato negli anni nei confronti del padre. Il percorso della sua educazione fu pieno di disagi, infatti, lo sviluppo fisico, mentale e psichico del giovane artista venne compromesso dalle sue disabilità ovvero il rachitismo e il gozzo. Si distingueva per la sua capacità creativa e per il suo pessimo comportamento.

Nel 1917, dopo un violento sfogo nei confronti della madre adottiva, venne ricoverato per la prima volta nella clinica psichiatrica di Pfäfers e, nel 1919, venne espulso dalla Svizzera su denuncia della madre adottiva e disertato a Gualtieri, vicino a Reggio Emilia, il paese di origine di Bonfiglio Laccabue. Così, Antonio Ligabue diventò un esule e un estraneo, odiato ed emarginato da tutti. L’artista si ritrovò allontanato dalla famiglia e dal poco affetto che riceveva, non potendo, inoltre, comunicare con le persone intorno a lui perché non sapeva parlare l’italiano, che non ebbe opportunità di imparare poiché nessuno lo considerava degno della conversazione. L’uomo, abbandonato e discriminato, fu costretto a vivere ai margini della società e su questo precipizio traballante del mondo, Antonio Ligabue si rivolse all’arte per compagnia ed espressione di sé. Con le sue dita neglette dall’affetto umano prese il pennello e iniziò a conversare con l’arte. Sopravviveva giorno per giorno, scambiando i propri dipinti per un pranzo e comprando con i pochi soldi nuovi materiali per la pittura.
Nella sua vita viene ricoverato diverse volte in manicomio a causa della sua personalità irascibile e violenta e del suo comportamento autodistruttivo. Muore il 27 maggio 1965 alla casa di riposo Carri di Gualtieri.

I soggetti affrontati da Ligabue sono vari. Innanzitutto è possibile osservare scene dai suoi ricordi di infanzia dipinte con una certa bramosia per la vita che dovette lasciare conto la sua volontà. Inoltre, ritrae molti paesaggi della sua nuova ubicazione, con scene di vita quotidiana nei campi, anche se preferiva raffigurare animali, domestici o esotici, in situazioni di calma o di tensione. Molti di questi ritratti effigiano scene di caccia e violenza terribile nel regno animale, quasi sinonimi della situazione sociale del pittore stesso. Sono frequenti anche gli autoritratti di Ligabue in cui documenta e ricorda sé stesso mentre viene dimenticato dagli altri.

Ligabue viene definito infatti dal curatore della mostra «un artista tragico» perché nelle opere emerge l’aspetto angoscioso della sua vita tanto che sono diversi i quadri che hanno come soggetto la lotta per la sopravvivenza tra gli animali in cui l’autore si identifica nella vittima che viene sacrificata.
«In Ligabue c’è il fascino della distruzione: più lui avanza nel tempo, più si mostra in uno stato di abbandono e di degradazione. Nei suoi autoritratti si ha l’impressione che ciò che lui cerca di scandire è la distruzione di sé stesso: questa distruzione che lo affascina nel rapporto di lotta degli animali, lui la guarda nel tempo su di sé, e la dipinge» -Daniel Abadie.

L'esperienza è stata molto interessante perché abbiamo avuto la possibilità di conoscere un artista nuovo riflettendo anche su un argomento a noi caro: quello della paura della diversità.
Antonio Ligabue è uno fra i tanti artisti che è stato sottovalutato e reso quasi sconosciuto per colpa di un pregiudizio e di una società che non ha avuto il coraggio di andare oltre a ciò. Ha avuto un'infanzia difficile che lo ha portato ad avere comportamenti violenti e di conseguenza a essere emarginato dal resto della popolazione. Ligabue ha dovuto combattere contro la solitudine che si era creata intorno a lui quando tutto quello che desiderava era solo l'amore che gli era stato negato. Si rifugiava allora nella pittura dove trovava sfogo essendo l'unico mezzo con cui riusciva a esprimere i suoi sentimenti e le sue sensazioni, creando opere dal forte potere evocativo che riescono a trasmettere all'osservatore ciò che l'artista provava.

Negli autoritratti, Ligabue si rappresenta in modo realistico, senza tralasciare aspetti considerati antiestetici. In questo esempio sono osservabili i suoi baffi, il grande naso e le orecchie altrettanto smisurate. Tuttavia, il tratto più accattivante sono i suoi occhi che dimostrano una grande profondità e un grande dolore.

Il dipinto "Leonessa che azzanna una zebra" raffigura la scena di un’aggressione brutale da parte di un leone che con i suoi denti affilati straccia il collo di una zebra mentre gli altri animali sfuggono alla sorte della povera preda. Il realismo nella rappresentazione è sorprendente poiché questi animali sono assenti come riferimento al pittore. In questa scena, come in altre di brutalismo naturale dei diversi predatori nei confronti della preda, è facile trovare nella bestia cacciata una raffigurazione di Ligabue stesso.

VITTORIA AIOLFI - PAOLA BRAVO - PRABH CHAGGAR - 3^B LS

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L'AMORE NELLA PITTURA

L'amore è un tema significativo per la storia dell'arte: il sentimento romantico è un tema imprescindibile che molti artisti hanno esplorato. Ispira, tormenta, esalta. Nel corso dei secoli, le rappresentazioni dell'amore nella storia dell'arte non hanno mai smesso di evolversi e di affascinare il pubblico.

Cosa c'è di più romantico, dopo tutto, che tentare di rappresentare su tela un sentimento che è insieme misterioso e universale? O cercare di rappresentare la persona amata e le emozioni che provoca? Gli artisti più celebri hanno utilizzato il tema dell'amore e degli incontri romantici tra amanti, e spesso la loro vita privata è stata fonte di ispirazione: i loro interessi romantici, i sogni e le speranze sulla tela sono stati trasformati in ritratti. Anche storie di romanzi d'amore popolari hanno trovato la loro migliore rappresentazione attraverso i dipinti, mentre l'arte ampliava la sua fonte di interesse e si rivolgeva con il passare del tempo alla vita bucolica e quotidiana.
 
Fino ai giorni nostri, artisti brillanti hanno trovato nuovi modi per esprimere il potere e il mistero del desiderio, della passione e dell'amore. Ecco, dunque, alcuni dei dipinti più belli, evocativi e influenti dell'amore nei quadri di tutta la storia.
 
Giardino con coppie d’innamorati: Piazza Saint Pierre di Van Gogh

Giornata di fioritura piena di primavera con luce solare dolce e gentile che illumina le tre coppie di innamorati, godendosi la stagione; non è una immagine che si associa quando si pensa a Van Gogh eppure questa è una delle sue opere più grandi dipinte. Giardini e parchi stati per lui luoghi poetici, e l'atmosfera romantica di questa immagine è ulteriormente accentuata dalle tre coppie che si corteggiano. L'esecuzione del dipinto è stata ispirata ai puntinisti, che hanno costruito le loro composizioni da puntini di vernice. Piuttosto che punti, tuttavia, Van Gogh ha utilizzato piccoli tratti di colore di varia lunghezza, che ha applicato in direzioni diverse. La tecnica lo ha aiutato a ottenere un effetto gioioso e radioso, che corrisponde perfettamente al senso di intimità che ha voluto esprimere. Lo stile del puntinismo evoca l'atmosfera verdeggiante per l’erba della stagione, perfetta per il sentimento liberatorio e vivace dell'amore romantico.
 
Murale di Khnumhotep e Niankhkhnum
 

All'interno di una società che ha dichiarato sacra la morte, giacciono due amanti abbracciati nella tomba mentre affrontano la loro nuova vita insieme. Khnumhotep e Niankhkhnum erano antichi servitori reali egiziani, condividevano il titolo di sovrintendenti delle manicure nel palazzo del re Nyuserre Ini, il sesto faraone della quinta dinastia, che regnò durante la seconda metà del XXV secolo a.C. Furono sepolti insieme a Saqqara, nella regione di Menfi in Egitto, e sono definiti "confidenti reali" nella loro tomba congiunta. Si distinguono per la loro insolita rappresentazione nei documenti egiziani, spesso interpretati come la prima coppia dello stesso sesso registrata. Fu nel 1964 che fu scoperta la loro tomba comune e la presunta relazione romantica tra Khnumhotep e Niankhkhnum si basa sulle raffigurazioni dei due uomini in piedi naso a naso e abbracciati in un murale nella loro tomba. In altre immagini, Khnumhotep occupa con Niankhkhnum la posizione solitamente designata per una moglie. Il sepolcro che condividono mostra il seguente epitaffio: "Khnumhotep e Niankhkhnum vivevano insieme e si amavano con passione".

Due amanti nella neve sotto l’ombrello di Suzuki Harunobo

Due amanti stanno nella neve sotto un ombrello in una presenza molto premurosa l'uno dell'altro. Il ritratto di un grande amore può spesso tingersi di un senso di malinconia, tristezza e smarrimento. In questa xilografia dello stile Ukiyo-e, le espressioni degli amanti di Suzuki Harunobo si tingono di dolore. C'è qualche dubbio sul fatto che l'immagine rappresenti un patto suicida pianificato. La presenza dell'ombrello crea la sensazione di intimità, e lo spettatore ha la sensazione di intromettersi in un momento intimo e segreto.
 
Una spina tra le rose

 Una tenera immagine di due donne che siedono insieme in un giardino e la ragazza dai capelli scuri sulla sinistra ha un cesto di rose pendenti dal braccio. La fanciulla dai capelli rossi a destra si punge con una spina di rosa e si china verso la compagna che le prende la mano per togliere la spina. Si siedono su uno sfondo di arbusti scuri e fitti. Questo dipinto sembra anche un momento tenero in cui lo spettatore si intromette e la grazia dell'atto rende chiara la comprensione e la fiducia tra queste due donne.

PRABH KAUR - 3^B LS

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L'INTELLIGENZA ARTIFICIALE RUBA IL LAVORO AGLI ARTISTI?

Ciao lettori del Mattei’s blog!

Oggi siamo tornati per discutere di un tema che purtroppo sta facendo passi da gigante in campo tecnologico: l’intelligenza artificiale, conosciuta meglio come "AI" (artificial intelligence).

In questi ultimi anni il fenomeno dell’utilizzo dell’intelligenza artificiale in vari campi della tecnologia si è sempre più diffuso; inizialmente essa venne sviluppata per far sì che le macchine informatiche avessero un proprio comportamento e la capacità di adattarsi all’ambiente circostante, permettendo così di creare risposte specifiche disponibili ai vari utenti e possessori di determinati dispositivi.

Da tempo ormai l’AI è in grado di creare immagini più o meno realistiche di paesaggi, ritratti o altri scenari, come se fosse una foto o un disegno. Questo aspetto ha colpito fortemente l'industria dell'arte in quanto ormai sempre più frequentemente le opere degli artisti più di successo, senza il loro consenso, vengono rubate e usate per alimentare le intelligenze artificiali.
 
Questa problematica ha generato grandi discussioni nella community degli artisti. Infatti è evidente che questo meccanismo viene considerato un vero e proprio furto; se tutto ciò venisse messo in atto da una persona reale sarebbe normalmente considerato violazione di copyright, mentre con un'AI questo non avviene.

Un peculiare esempio può essere l’applicazione “Lensa”, sviluppata da Prisma Labs, che ha la capacità di generare tramite intelligenza artificiale dei ritratti come se fossero stati fatti da veri artisti, ma è stato provato che in diversi prodotti si trovavano tracce di firme degli autori originali o altre peculiarità che confermano il fatto che l’immagine sia stata usata senza il consenso dell’artista.

L’artista Ioish ha espresso il proprio dissenso su questo tema tramite un post su Instagram dopo essere stata anch’essa vittima di questo fenomeno. In particolare riflette sul fatto che i musicisti non vengano trattati allo stesso modo, infatti in ambito musicale esistono leggi che proteggono il diritto d’autore e limitano l’utilizzo dell’Ai.

 
Su “ArtStation” la protesta si è ulteriormente evoluta dopo che la piattaforma stessa ha iniziato a rimuovere i contenuti anti-Ai, definendoli violazione dei “Terms of Service".
Gli utenti di questo social già dai primi giorni di Dicembre hanno diffuso la propria voce pubblicando quello che è ormai diventato lo slogan della protesta (vedi immagine sottostante).

-Lory: Personalmente, come artista, penso che l'avanzamento di questa tecnologia sia inevitabile; da un lato potrebbe essere usata come strumento utile agli artisti per creare ad esempio texture specifiche o altri particolari, ma dall’altro lato ho paura che tutti questi anni di pratica ed esercizio siano stati inutili soprattutto dal punto di vista lavorativo, anche perché è sicuramente più facile sfruttare un’AI che crea generazioni infinite, piuttosto che un artista che lavora determinate ore e va pagato adeguatamente.
 
Questo è il nostro pensiero sul tema dello sviluppo dell’intelligenza artificiale. Fateci sapere cosa ne pensate!!
 
Alla prossima, 

MARGHERITA BONETTI e LORENZO MITROFAN 

5^A LSU/5^A AFMI

 

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L'ARTE DI FARE L'ARTE

Cos'è l'arte? Cosa serve? Come fare arte? Cosa caratterizza l'identità dell'artista?

Queste sono domande apparentemente semplici che richiedono un dibattito altamente filosofico, complesso e irrisolto che dà vita a più domande che risposte soddisfacenti. Creare arte è una delle caratteristiche distintive della specie umana fin dalle nostre origini. Gli esseri umani sono artisti per natura e la storia dell'arte inizia con quella dell'umanità. Nei loro impulsi e risultati artistici, gli esseri umani esprimono la loro vitalità, la loro capacità di stabilire una relazione benefica e positiva con il loro ambiente e di umanizzare la natura; il loro comportamento come artisti è una delle caratteristiche per la selezione favorevole all'evoluzione della specie umana. Le prove di un'ampia analisi dell'arte rupestre e delle pitture e incisioni rupestri mostrano che, fin dalle loro origini, l’Homo Sapiens è sempre stato Homo aestheticus. L'umanità ha attraversato un lungo periodo di evoluzione e con essa anche l’arte si è evoluta. L'arte, dai dipinti di segni pittografici alle canzoni danzanti per le feste, si è gradualmente espansa all'architettura, alla scultura, al teatro, alla letteratura, al cinema e alla televisione attraverso secoli di evoluzione umana, costituendo infine la civiltà spirituale umana.
 
Quindi, l’arte è associata a molte professioni, soggetti, oggetti e metodi nel mondo di oggi e i pensieri su ciò a cui si riferisce varieranno così come i sentimenti nei suoi confronti. Sebbene la definizione generale di arte sia ancora in discussione, con questo termine si definisce principalmente l'uso consapevole dell'abilità e dell'immaginazione creativa, specialmente nella produzione di oggetti estetici in numerosi dizionari e tesi. Essendo uno dei modi più creativi di esprimere l'esperienza umana, l'arte è fatta di infiniti scopi, motivazioni, intenzioni e ispirazioni: raccontare una storia permettere all'artista di esprimersi e di riflettere la bellezza della natura, di un paesaggio, o di una città, per rappresentare la realtà e gli ideali, per provocare pensieri e discorsi solo per citarne alcuni.

 

Tuttavia, nel mondo moderno contemporaneo l'arte è diventata una merce e un lusso che esiste solo entro i limiti della perfezione, trascurando gran parte della parte creativa e fantasiosa della definizione stessa di arte. Creare arte è diventato un processo meccanico ed esclusivo, trascurando così l'intrinseca universalità e umanità dell'arte di fare arte. La maggior parte degli esseri umani ritiene che l'arte sia fatta di regole rigide, linee perfette, simmetria perfetta e abilità innata. È tragico che noi esseri umani siamo riluttanti a fare arte fine a se stessa, per il divertimento generale e l'espressione di sé. Ogni volta che una persona è propensa a praticare l'arte di creare arte, l'approccio iniziale ad un'anatomia o a una prospettiva presuppone una rigidità precisa che potrebbe scoraggiarla e allontanarla dal suo intento.
 
Il miglior primo tentativo di avvicinarsi alla creazione è spogliare l'arte delle sue basi: immaginazione, creatività e espressione di sé. Esempi da seguire sarebbero i bambini: infatti, essendo nuovi al mondo e osservando se stessi e ciò che li circonda, il loro scopo nel creare arte riecheggia quello dello scopo primordiale dell'umanità stessa che è la voglia di capire, esprimere e semplicemente essere e testimoniare. È vero, tuttavia, che va crescendo il processo di formazione di idee originali attraverso l'esplorazione e la scoperta diviene più faticosa. L'obiettivo principale dei primi passi del processo artistico è liberarsi dalle catene del perfezionismo.
 
L’avvicinamento all’immaginazione e all’espressione più libera può essere realizzata con vari metodi e uno di questi è provare nuove cose. Uno dei motivi per cui spesso ci sentiamo privi di fantasia è dovuto al fatto che non stiamo sperimentando abbastanza con le idee che abbiamo. Per imparare accrescere la creatività, devi creare cose! Quando hai un sussurro di un'idea, non importa quanto basilare, o sei ispirato da qualcosa che hai indagato o sperimentato, inizia a delinearlo. Mentre esplori, troverai nuove idee ed esplosioni creative che emergono dalla sperimentazione. Proprio come un muscolo, per sviluppare la creatività è necessaria la pratica. Con la pratica regolare, le capacità creative del nostro cervello possono crescere ed essere attivate. Inoltre, avere un album da disegno personale funziona alla grande anche con la creatività che scorre in modi semplici e divertenti; è una parte onnipresente del toolkit di un artista, sia esso digitale o cartaceo. Tuttavia, l'intenzione non deve mai essere quello di riempire l’album, cosa che molte volte si è soliti fare, ma quello di usarlo e amarlo.
 

Per chiunque lo desideri ma abbia problemi a iniziare, tenere o finire un diario o un quaderno di disegno, i suggerimenti di Wreck This Journal sono un buon inizio. Infatti è un libro illustrato che presenta una raccolta sovversiva di suggerimenti, chiedendo ai lettori di raccogliere le loro migliori capacità di fare errori e pasticci. Riempire le pagine del libro (e distruggerle). L'acclamata illustratrice Keri Smith incoraggia i giornalisti a impegnarsi in atti "distruttivi" - bucare le pagine, aggiungere foto e deturparle, dipingere con il caffè e altro ancora - per sperimentare il vero processo creativo. I lettori possono scoprire un nuovo modo di creare la propria arte o il diario personale e, nuovi modi per sfuggire alla paura della pagina bianca e impegnarsi pienamente nel processo creativo. Lo scopo del diario è rompere l'abitudine di tutti i perfezionisti che rabbrividiscono al pensiero di una pagina piegata in uno dei loro libri. Io sono una di quelli, senza dubbio: sebbene all'inizio sia difficile, alla fine è liberatorio poter "distruggere" il diario, creando un'opera d'arte unica nel processo. È difficile finire questo libro, poiché è in continua evoluzione; inoltre, è divertente da portare in giro e aggiungere qualcosa quando si vuole.  Allarga i confini e fa pensare sia all'arte che al diario in un modo diverso, cerca di espandere le idee che abbiamo stabilito su ciò che pensiamo sia un diario: non si tratta solo di un raccoglitore di eventi e sentimenti raccontati ordinatamente, piuttosto esso può essere l'ultima forma di espressione e sperimentazione della creazione. Partendo da questi suggerimenti, si può diventare più indipendenti con il proprio processo artistico e avere successo nell'arte di creare arte.
 
PRABHJOT KAUR – 3^B LS

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